IN MY MOTHERS SKIN (Kenneth Dagatan) – Panorama

El folclore y el género de terror siempre han estado íntimamente relacionados, conteniendo el primero las leyendas e historias de las que bebe a menudo el segundo que, a su vez, surgían de los miedos más primarios: lo antiguamente desconocido y las oscuridades más arcaicas.  En los últimos años, debido al agotamiento de algunos lugares comunes e ideas que se exploran una y otra vez en el género, la industria occidental ha recibido como agua de mayo aquellas películas extranjeras, contadas desde el folclore de algunos lugares remotos para la perspectiva occidental, que traen destellos de novedad. Tal es el caso de las recientes La Mujer del Infierno (Indonesia) o The Medium (Tailandia). In my Mother´s Skin podría ser otro ejemplo de película que se experimenta como cautivadora y original por lo ajeno de la cultura que da forma a sus terrores, transcurriendo en la Filipinas durante el final de la Segunda Guerra Mundial. 

En una adaptación macabra de una especie de cuento de hadas que podría recordar a los Hermanos Grimm, la película trata la historia de una niña que tiene que salir al bosque a buscar comida, pues su madre está enferma y su padre ha desaparecido de la finca en la que viven. En el bosque se encuentra con un hada carnívora que le promete acabar con la enfermedad de su madre; sin embargo, las consecuencias de aceptar los favores de este hada aparentemente bienintencionada serán terribles para la niña y su familia, y la finca y su madre se verán invadidas por el influjo demoníaco del hada.

Kenneth Dagatan enmarca una historia en tiempos de escasez y pobreza para rescatar una leyenda antigua, bebiendo a su vez del imaginario católico, en una película filipina en la que sus personajes entonan plegarias en español a la Virgen. Desde la película, estas plegarias se experimentan como extrañas y lejanas, como si formaran parte de un conjuro oscuro.  

HERMANA MUERTE (Paco Plaza) – Película Inaugural

Paco Plaza recupera al personaje de Hermana Muerte, de la exitosa Verónica, para su última película. No parece tanto el intento de aprovechar el éxito que tuvo Verónica en crítica y público, si no más bien el de rescatar a un personaje sugerente que apenas tenía minutos en la película de 2017 y, con ella, contar una historia de terror de época, con relación a los asaltos de los conventos durante la Guerra Civil Española. 

Hermana Muerte termina resultando interesante no tanto por la historia que cuenta, sino por la puesta en escena que Paco Plaza construye, distánciandose en algunos momentos de las imágenes y el tratamiento habitual del género, y recogiendo las nuevas improntas de directores como Ari Aster. Sin dejar de lado las escenas morbosas y con alto contenido demoníaco, en el apartado visual se desarrolla una serie de escenas de apariencia pulcra, preciosista; construida a partir de paredes blancas y hábitos impecables. En cuanto al guion a dos manos entre Plaza y Jorge Guerricaechevarría, llama la atención como una premisa y primera mitad de película más cercana al terror vira hacia una trama de suspense, donde toma especial relevancia un oscuro secreto que se esconde en el convento, con respecto a una monja desaparecida durante un asalto al convento hace unos años. 

LET IT GHOST (Hoi Wong) – Panorama

La ópera prima del hongkongonés Hoi Wong exprime al máximo un presupuesto reducido para crear una antología de tres capítulos sobre historias de fantasmas, mezclando la comedia y el terror, y jugando a revertir las expectativas del subgénero de espíritus. La película, protagonizada por varios youtubers populares de Hong Kong, destila frescura y ligereza adolescente, y consigue brillar por el juego que propone, al girar continuamente de un tono a otro, logrando momentos especialmente divertidos por su carácter inesperado. 

Let it Ghost también experimenta con la metanarrativa, de forma similar a lo que proponía en su día One Cut of the Dead. La primera historia se desarrolla durante el rodaje de una película de fantasmas; sin embargo, la historia deviene en una aparición real de un espíritu asesinado por el actor principal. Wong evita los lugares comunes y el rodaje pasa a aceptar a la fantasma como personaje, evidenciando que hasta ahora el género ha pecado de intrusismo laboral. 

Pese ser una película ligera, no deja de tener lecturas interesantes. La segunda historia, por ejemplo, nos cuenta la historia de un homófobo que tiene problemas con su pareja. Tras poseer un fantasma “muy salido” a su novia, la vida sexual de la pareja, antes inexistente, se vuelve muy prolífica para alegría del protagonista; pese a que en el fondo su vida está amenazada por dicho espíritu. Es divertido como al final de la historia, ese personaje caracterizado como homofóbico descubre que el espíritu que veía poseyendo a su novia todo el tiempo era el fantasma de un hombre. 

EL CHICO Y LA GARZA (Hayao Miyazaki) – Oficial Fantàstic Sesiones Especiales

Lo nuevo de Hideo Miyazaki es una prueba más que demuestra que la animación es el formato ideal para el género fantástico. El Chico y la Garza, la última película del Studio Ghibli, promete convertirse en un nuevo clásico de la productora nipona, estando a la altura de títulos como El viaje de Chihiro o Porco Rosso.

Tratando la historia de un niño que ha perdido a su madre en un incendio durante un bombardeo en la Segunda Guerra Mundial, la película habla sobre cómo este personaje entra en un mundo de fantasía de la mano de una garza que es capaz de hablar. Siendo una historia sobre la aceptación de la muerte, esta comparte muchas ideas con algunas de sus predecesoras sin dejar de resultar original y fresca por sí misma: la “fuga” hacia un mundo de fantasía de un niño que vive una realidad traumática, la representación de los fascismos y las consecuencias de la guerra desde lo naif y colorido del estilo de Miyazaki, etc. Con esta película el Studio Ghibli sigue impresionando por la calidad de su animación. El Chico y la Garza hace gala de tal plasticidad y preciosismo en sus imágenes que da la sensación de que su mundo se puede tocar desde el asiento. La animación es el formato ideal para la fantasía porque permite representar mundos maravillosos sin ningún tipo de condicionante. Y cuando el trabajo es de tal exuberancia, se convierte en lo que es El Chico y la Garza, una película que apela a la falta de límites de la imaginación, que habla de la pérdida y de la muerte desde una posición esperanzadora y optimista. 

LOS OJOS DE LA NOCHE (An Tae-Jin) – Òrbita

En un año en el que Sitges parece haber sido conquistado por títulos asiáticos de calidad, la surcoreana Los Ojos de la Noche propone un drama histórico sobre un acupuntor ciego, Qyeong-su, durante el 1600s en la Antigua China. La película da comienzo cuando Qyeong-su es elegido para ser el ayudante del acupuntor real, precisamente por su ceguera, que parece dotarle de unas habilidades especiales para su oficio; además de la evidente discreción implícita en alguien que no ve nada. Sin embargo, un secreto de Qyeong guarda es que es capaz de ver ligeramente en la oscuridad. De esta forma, una película de ritmo lento, que comienza con un tono cómico y desenfadado, gira poco a poco hacia un drama con elementos de suspense, plagado de intrigas palaciegas, traiciones y asesinatos secretos, donde la casi ceguera del protagonista toma un papel esencial, sin poder contar este la verdad del asesinato del que ha sido testigo. Cuanto más avanza la película, más consigue atrapar en sus intrigas, en las que el protagonista acaba viéndose como acusado. 

La película, clásica en su forma, cuenta con un diseño de producción muy cuidado, que logra transportar al espectador a la época en la que se desarrolla. Por otro lado, el director elige emplazar muchas de las escenas de noche, muy poco iluminadas, identificándonos con la figura de ese acupuntor ciego que ve todo lo que pasa entre la dinastía real, como un observador en la sombra. En definitiva, Los Ojos de la Noche es una buena película de intriga, de ritmo lento, una puesta en escena clásica y un diseño de producción cuidado y unas actuaciones muy en tono, que terminan tejiendo una película de época que funciona realmente bien .

PROJECT SILENCE (Tae-Gon Kim) – Panorama

El director surcoreano Tae-Gon Kim construye una película de acción adrenalínica, que no cuenta nada nuevo, pero cumple con lo que plantea de forma impoluta. Project Silence está en la línea de grandes producciones que beben de la serie B, desde la sencillez y los tópicos, pero con garra y saber hacer; sin ningún pudor para reírse de sí misma en algunas ocasiones, así como ponerse emotiva en otras.

La película comienza, en un conglomerado de casualidades, tras un accidente multitudinario en un puente que queda cortado. Es así como un grupo de personajes quedan atrapados en dicho puente con un grupo de perros que eran transportados para ser sacrificados. Dichos perros no son animales normales, sino parte de un experimento militar para desarrollar perros de unas características muy peligrosas para ser usados en la guerra.

En un principio, Project Silence cuece a fuego lento la historia, presentando poco a poco a los personajes que van a participar, logrando, con unas pocas pinceladas, diseñar a una serie de personajes atractivos con los que es fácil empatizar. Por otro lado, cuando llega la acción, esta viene acompañada de una serie de imágenes y recursos visuales muy seductores; siendo la niebla que ocupa todo el puente un recurso que funciona realmente bien, tanto a nivel visual como narrativo. 

En definitiva, Project Silence es una película trepidante, con muchos giros y con un conocimiento profundo de los ritmos en una película de acción. La película sabe dar subidones y funcionar en los momentos donde se pone emotiva, desarrollando un arco satisfactorio para sus personajes principales (un padre y una hija).