«Con el alma en una nube y el cuerpo como un lamento, viene el problema del pueblo, viene el maestro. El cura cree que es ateo, el alcalde comunista y el cabo jefe de puesto piensa que es un anarquista». Así comienza la canción El Maestro del recientemente fallecido Patxi Andion sobre el papel de la educación en la España rural del franquismo. Las ficciones … Continúa leyendo Crítica ‘El suplente’
Vivimos en tiempos de excelencia; o de la búsqueda de ella, al menos. Hay un componente aparentemente heroico en estas narraciones que hacemos de la realidad o, mejor dicho, profundamente aventurero (es costumbre confundir los atributos de ambos arquetipos). La excelencia como nuevo territorio por explorar, como tierra que conquistar por un individuo excepcional, digno de los dioses o, al menos, de los libros de … Continúa leyendo Crítica ‘Living’
Un pueblo grisáceo y frío es el centro de una historia donde los desvíos de la democracia se esconden bajo su mismo nombre. Cristian Mungiu (4 meses, 3 semanas, 2 días) pone sobre la mesa los problemas de una Europa racista y xenófoba en una cinta donde, a pesar de su indiscutible carácter dramático, es en los pequeños momentos de humor negro donde más luce. Continúa leyendo Crítica ‘R.M.N.’
Tras la francesa La verdad estrenada en Venecia en 2019, Broker es la segunda película de Hirokazu Koreeda fuera de su país natal, con la que continua con su trayectoria de películas corales. El realizador japonés reflexiona de nuevo sobre la constitución de la familia, uno de los ejes de su filmografía, íntimamente relacionado con el cuestionamiento de los lazos de sangre, funcionando como un gran complemento a De tal padre, tal hijo (2013) y a Un asunto de familia (2018). En una emotiva road movie llena de ternura, el cineasta vuelve a retratar una familia no convencional, en este caso formada por una joven que abandona a su hijo para asegurarle un futuro, unos traficantes de bebés y un niño de ocho años ya demasiado mayor para ser adoptado. Continúa leyendo Crítica ‘Broker’
No sé cuantas veces he tragado saliva al ver este documental, pero no he sido capaz de llorar. La dureza de los hechos es asfixiante, sin embargo, Coixet maneja la emoción justa para no convertir el documental en un melodrama marcado por el morbo o el sensacionalismo. La trayectoria de la realizadora catalana avala no solo el proyecto si no su proyección en salas, que habría sido improbable sin su firma. Isabel Coixet es un altavoz gracias al cual estas mujeres cuentan su historia. El techo amarillo funciona como un estudio y análisis de las estrategias de un abusador, la invalidación emocional, la seducción, la culpa y la vergüenza… pero también narra unos hechos concretos. Continúa leyendo Crítica ‘El techo amarillo’
No nos engañemos, la protagonista de esta historia no es únicamente la emperatriz Sissi, el tiempo (en todas sus formas) ocupa un lugar coprotagonista. Desde el tratamiento narrativo —a través de viñetas del año cuarenta de la vida de Sissi, casi inconexas si no fuera por el corsé y las ataduras omnipresentes—, pasando por los deliciosos anacronismos integrados en el relato, hasta la fijación obsesiva por la juventud. Todas ellas manifestaciones del tiempo, que conviven con el retrato de una mujer adelantada a su época. Continúa leyendo Crítica ‘La emperatriz rebelde’
Las películas antológicas nacen con una maldición: no satisfacen a nadie. Por buenas que sean. Pero la comparación entre distintas historias es inevitable y eso conduce una sensación de irregularidad que no tiene porqué ser real. Esto se suma a que, hoy en día, ni las películas «all-star», aquellas que reúnen en sus créditos a un gran número de gente reconocida, ni las películas basadas en géneros teatrales tienen una gran fama o predicamento popular. Cuando todas esas ideas se mezclan en Historias para no contar, Cesc Gay tiene una tarea complicada por delante. Y, por desgracia, se queda a medias. Continúa leyendo Crítica ‘Historias para no contar’
Hablemos de la Teoría del Autor y una de sus respuestas posmodernas. Según los mandamientos clásicos de la teoría moderna por excelencia, el director, batuta organizativa y, por tanto, estética, de la producción, debía escribir sus propias películas y hacer de la cámara una pluma estilográfica, que permitiera elevar el cine a los niveles culturales de la literatura. Casi desde entonces, la figura del auteur ha estado en constante revisión; sin embargo, como lleva ocurriendo en el mundo desde las artes visuales desde 1917, es una revisión contradictoria, (casi) hipócrita, donde la crítica queda en un nivel superficial y la incapacidad (o la falta de deseo no confesa) de vencer a un sistema capitalista que sabe aprovechar cada espacio como lugar de marketing termina por apoderarse del discurso profundo de la obra. Continúa leyendo Crítica ‘Mi vacío y yo’
En el inicio de El prodigio, Sebastián Lelio sobreimprime los créditos sobre una panorámica de un set de rodaje, a la Godard. Con este homenaje, el director chileno da rienda suelta al tema principal de su nuevo largometraje: las historias, y a su capacidad para modificar nuestra percepción del mundo.
El punto de partida es una leyenda real: una niña de 11 años, en la Irlanda del siglo XIX, que se pasó más de cuatro meses sin comer y sin mostrar síntomas. Para descubrir el truco, Lib Wright (Florence Pugh), una enfermera inglesa con firmes principios científicos, investigará y vigilará a la joven Anna O’Donnell junto a una monja y bajo los auspicios de los poderes fácticos de la aldea (a saber, el líder político, el cura, el médico y el barista). De esta forma, se desarrollará una dialéctica entre lo religioso y lo científico —lo literario y los datos, lo emocional y lo aséptico— que llegará a las mayores cotas de interés cuando se cuestione los elementos narrativos que juegan un papel fundamental en el ámbito científico. En otras palabras, lo científico siempre se encuentra supeditado a lo narrativo, pues es a través de la historias, tanto externas como la propia, que damos forma a nuestra existencia. Continúa leyendo Crítica ‘El prodigio’
En el año en que En los márgenes ha sido una de las películas españolas más vilipendiadas por meter el dedo en el ojo al espectador a la hora de tratar ciertas causas sociales (los desahucios y la consecuencias de la crisis), los hermanos Dardenne, maestros de la culpabilidad, estrenan nueva obra que es recibida con laureles y aplausos.
Hay algo muy admirable, y muy poco común en el cine de autor, en la obra de los Dardenne: el contenido siempre se supedita a la forma. El discurso político no está en la forma (o no solo), sino en el propio tema. Así, evitan una elitización de su cine y permiten que este pueda ser increíblemente popular. Eso no quiere decir que descuiden la puesta en escena o el guión, al contrario. Su estilo heredero del documental se mezcla con un tratamiento muy humano de los personajes que dan lugar a cintas muy tensas, minimalistas y realistas. Igualmente admirable es su compromiso social, intacto, incluso tras ser el ojito derecho del Festival de Cannes (el premio del 75 aniversario fue para ellos, que ya han recolectado todos los premios posibles otorgados por el festival) y de la crítica intelectual europea. Continúa leyendo Crítica ‘Tori y Lokita’
El cine de autor —el arte, en general— funciona de forma similar a la suspensión de la incredulidad: aceptamos la imposición de un ego, siempre y cuando este no sea muy obvio y no nos moleste y, si se pasa un poco de la raya, la fantasía se viene abajo. El humor (Woody Allen, Larry David, Jerry Seinfield) y la victimización de sí mismos (Federico Fellini, Pedro Almodóvar, Woody Allen) son herramientas que logran ocultar el ego, mientras que la ambición, el «moralismo» o la sobrexposición son (en teoría) elementos reveladores de un autor que se está poniendo por encima del espectador. No obstante, Bardo, o falsa crónica de unas cuantas verdades parece haber cruzado una línea roja que ha hecho que la crítica internacional se eche las manos a la cabeza y el ego del cineasta se convierta en monotema. Continúa leyendo Crítica ‘BARDO (o falsa crónica de unas cuantas verdades)’
Cerdita antes que largometraje fue cortometraje. Concretamente, aquel que triunfó con galardón de mejor cortometraje de ficción en los Premios Goya de 2018. Un cortometraje de terror que maravilló por su potencia sobre una chica que sufre bullying excusado en gordofobia. El largometraje promete triunfar tanto como el corto: estreno en Sundance y ovaciones en los Festivales de San Sebastián y Sitges, en el cual además ha recibido el premio Méliès de Oro e incluso Edgar Wright ha alagado su fantástica realización e interpretación. Continúa leyendo Crítica ‘Cerdita’
Jaime Rosales, veterano director que siempre se ha movido por los márgenes de la industria cinematográfica española, confirma con Girasoles silvestres aquello que en Petra parecía intuirse: su viraje hacia un tipo de cine más convencional, más narrativo y más abierto al público, aunque sin perder algunos de sus rasgos estilísticos. El director catalán se alía con Anna Castillo para contar la historia de Julia, una mujer joven, madre de dos hijos, aspirante a enfermera y con una vida sentimental irregular. O, mejor dicho, es la historia de sus novios: Oscar, Marcos y Àlex. Pues, como hacía Joachim Trier en La peor persona del mundo, parece estar más interesado por lo que ocurre alrededor de Julie/Julia que por el propio personaje. Continúa leyendo Crítica ‘Girasoles Silvestres’
Hay más de 100 desahucios al día. Esta es la premisa con la que Juan Diego Botto comienza su andadura por la dirección de largometrajes, cuyo resultado es un drama social espídico y humano. A fin de recalcar los desahucios no como hechos aislados si no como fenómenos diarios, Botto opta por un relato coral encerrado en 24 horas, presentando las experiencias de un abogado, una mujer trabajadora y una anciana, junto con sus respectivos vínculos cercanos. Continúa leyendo Crítica ‘En los márgenes’
En Crímenes del futuro, David Cronenberg apostaba por la fluidez (sexual, de órganos, de sociedades) como elemento revolucionario, capaz de generar un movimiento antisistema (“hay belleza en el control”, se repite en No te preocupes, querida) y hacer avanzar a la sociedad (en un sentido, puramente evolutivo, pero también estético; una apuesta que entronca profundamente con los humores sociales del mundo del siglo XXI. Este es un debate contemporáneo. De hecho, palabras como «fluidez» y «líquido» han aparecido con fuerza en los textos desde finales del siglo pasado hasta el punto de parecer indispensables a la hora de definir las sociedades actuales. Y, sin embargo, David Bowie siempre estuvo ahí. Continúa leyendo Crítica ‘Moonage Daydream’
Claire Denis se ha ganado el derecho de ser considerada como una de las cineastas fundamentales a la hora de pensar el deseo en imágenes, desde los géneros (ciencia ficción en High Life, 2018, al terror en Trouble Every Day, 2006) hasta el drama cotidiano de corte realista. En Fuego, la cineasta francesa vuelve a abandonar los cuerpos jóvenes, a los que parecía advocarse en su última obra —la mencionada High Life— y durante gran parte de la su filmografía, para construir una cinta sobre el tiempo y el deseo. Continúa leyendo Crítica ‘Fuego’
A Andrew Dominik se le puede inscribir dentro de este grupo de cineastas extranjeros (Pablo Larraín, Baz Luhrmann, Jane Campion o Alejandro G. Iñárritu, por mencionar unos pocos) que operan en Hollywood y deconstruyen sus símbolos (y los de Estados Unidos). El director neozelandés ya trató la mitología del western en El asesinato del Jesse James por el cobarde Robert Ford (2008) y la crisis del 2008 en Mátalos suavemente (2012), sus dos obras más conocidas hasta la fecha de hoy, cuando, tras un parón de casi diez años en los que ha realizado dos documentales musicales sobre sus amigos Warren Ellis y Nick Cave y algunos episodios de Mindhunter, presenta su particular mirada a uno de los símbolos del Hollywood clásico: Marilyn Monroe. Continúa leyendo Crítica ‘Blonde’
Último día del aniversario, la retraca final. Aprovechamos esta jornada final para recuperar algunas películas que no pudimos ver en su momento, como Cerdita, Bardo, falsa crónica de unas cuantas verdades o Mi vacío y yo. Marlowe, una recreación del cine negro de los 40 a cargo de Neil Jordan, es la encargada de clausurar el Festival. Las grandes ganadoras han sido Los reyes del … Continúa leyendo Festival de San Sebastián 2022 (IX)
Penúltimo día del Festival. Con la Sección Oficial ya terminada, recuperamos algunas cintas que nos han llamado la atención de diferentes secciones y Crímenes del Futuro de David Cronenberg, que, como hemos venido comentando, recibió el Premio Donostia a su carrera. También es el día de la presentación de la Película Sopresa. Este año la afortunada no es otra que Blonde. Tras su paso por … Continúa leyendo Festival de San Sebastián 2022 (VIII)
Encabezamos la recta final del Festival de San Sebastián con grandes títulos y algunos descubrimientos inesperados. Entre los primeros se encuentran La consagración de la primavera, que es, a día de hoy, la favorita a la Concha de Oro junto con La Maternal de Pilar Palomero, según la crítica, El techo amarillo, documental de Isabel Coixet sobre las víctimas del Aula de Teatre de Lleida, … Continúa leyendo Festival de San Sebastián 2022 (VI)
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